Vous en souvenez-vous ? Vous vous souvenez de la première fois que vous avez dansé et senti que vous ne faisiez qu’un avec la musique? Ce moment où vous attrapiez les pauses et repreniez les flux avec votre partenaire tout en étant complètement joyeux et en ressentant la synergie du moment. C’est ce qui rend la danse ludique et pleine de vie pour moi. Je trouve que la musicalité est l’un des phénomènes les plus fascinants à exprimer et à maîtriser en soi. Quand je vois quelqu’un sur la piste de danse attraper le rythme ainsi que les mélodies plus fines de la musique tout en faisant les mouvements qui représentent ce son, je me déchaîne d’inspiration. Danser socialement est un temps de jeu car dans le style de musique que vous interprétez, il ne devrait pas y avoir de limites à votre expression. C’est le moment d’explorer les mouvements de manière libre et de danser sur la musique, en collaborant avec elle, en essayant d’attraper le rythme et en même temps de suivre les étapes qui vous sont conduites. Chaque chanson est unique et nous raconte une histoire et le danseur interprète les sons visuellement sous une forme physique. Il ne s’agit pas seulement de faire les étapes, les motifs et le style corrects, il s’agit davantage d’exprimer vos émotions et de raconter votre histoire avec la musique.
Comprendre exactement ce sur quoi vous dansez est extrêmement important car il constitue le cœur même de la démonstration de votre propre musicalité unique sous forme physique. Vous ne dansez pas vraiment dans l’instant si vous ne comprenez pas cette compétence fondamentale qui peut être apprise en prenant le temps de déchiffrer et de reconstruire les très nombreux sons d’une chanson donnée. Vous ne voulez pas seulement faire des mouvements sans histoire ni signification. C’est une façon non verbale de dire aux gens que c’est ce que vous entendez dans cette chanson et comment vous le leur exprimez.
Alors, comment vous et moi apprenons cette compétence inestimable?
Vos oreilles sont de merveilleux sens et vous permettront d’écouter la chanson et la minutie de ses éléments. Que ressentez-vous en vous quand il s’agit de l’histoire? Nous sommes tous des personnes différentes qui viennent de cultures et d’horizons différents. Apprenez à vos oreilles à écouter non seulement le rythme, mais tous les instruments de la chanson, la mélodie, les pauses et la façon dont la chanson sonne et, ce faisant, entraînez votre esprit à interpréter ces sons en mouvements significatifs.
Alors quelle est l’anatomie d’une chanson ? Écoutez la chanson entière plusieurs fois et essayez de séparer les différentes parties pour créer l’histoire que vous voulez raconter:
1.Intro
L’intro est l’introduction de la chanson et prépare le terrain pour ce qui va suivre. Il fait investir les auditeurs dans le ton et pourrait parfois répéter des segments. Plusieurs fois, ce sera une partie instrumentale et n’aura pas de voix se terminant toujours par une pause avant le couplet.
2.Verset
Un verset pourrait avoir des paroles qui sont la partie charnue d’une chanson. Deux ou trois versets sont communs dans les chansons et constituent le fondement de l’histoire. Tout en dansant, essayez de frapper les accents du verset en gardant le travail de votre partenaire simple & facile à répondre. Cela vous aidera avec le flux et le rythme de vos mouvements, ce qui vous aidera à vous détendre pour être dans le moment présent.
3. Pont
Le pont d’une chanson est généralement un ton ou un rythme très irrégulier qui introduit un changement de rythme et de son pour ajouter une autre dimension à l’histoire. C’est là que les chansons peuvent devenir difficiles à prédire et sont le plus souvent utilisées pour passer à la partie suivante de la chanson. Il peut être considéré comme l’acte avant le point culminant de l’histoire et est nettement différent des versets.
4. Muntono
C’est la mélodie ou le crochet de la chanson. La principale force motrice qui vous dira quel genre d’histoire est racontée. Il comporte des sous-sections telles que le refrain qui est la partie de répétition d’une chanson que nous apprenons habituellement en premier, des solos d’instruments qui mettent en évidence un seul instrument de musique avec un motif prédisant et souvent improvisé et les sections musicales de motifs sur lesquelles, lorsqu’elles sont dansées, sont généralement les points forts de la chorégraphie dans l’histoire.
5. Conclusion
La conclusion nous amène à la fin culminante de nos histoires où des pauses musicales sont présentes avant la conclusion de la chanson. Il peut se conclure par la répétition de la partie intro de la chanson qui peut être jouée sur la piste de danse.
Il y a un certain nombre de choses que vous devez apprendre vous-même pour améliorer votre musicalité en tant que danseur:
Écoutez, connaissez les instruments et battez et choisissez ce que vous voulez afficher. Vous devez entraîner vos oreilles à écouter la musique dans son intégralité afin de connaître votre chemin autour de la chanson afin de ne jamais vous perdre. La musique salsa comprend de nombreux musiciens différents dans le groupe pour créer les belles chansons que nous connaissons tous et aimons danser sur la piste de danse. Apprenez ces différents instruments et les sons qu’ils produisent pour les distinguer afin de savoir quel mouvement va avec quel instrument. Enfin, que ressentez-vous et quelle est l’émotion qui vient en vous en entendant la chanson? Est-ce rapide, lent, dramatique et heureux ou une combinaison de ceux-ci pour créer une histoire intrigante qui peut être suivie et comprise non seulement par vos collègues danseurs, votre partenaire et le public, mais par vous-même? Donner un sens à tout cela grâce à un mouvement stratégique pour être le meilleur conteur sur la piste de danse que vous puissiez être. La pratique est la clé car elle gravera dans la pierre toutes les autres compétences que vous avez apprises en les mettant à l’épreuve.