Il y a un sale petit secret parmi les artistes. Cela peut se résumer ainsi: Nous créons de l’art. Notre art ne se vend pas. Nous bourrons l’art dans nos placards.
Bientôt, nos placards sont remplis, nous nous tournons donc vers les bacs de rangement. Ceux-ci se remplissent rapidement aussi, nous avons donc recours à des coins de nos studios. Si nos ateliers ne sont pas assez grands, nous transportons nos tableaux et nos objets d’art chez nous où ils occupent rapidement toutes les surfaces, horizontales et verticales. Bientôt, nous sommes enterrés.
Nous apprenons des façons inventives de gérer la surcharge d’art. Nous commençons à travailler plus petits. Nous passons de la toile au papier. Nous passons de la sculpture à la peinture, de la peinture au dessin, du dessin à la photographie.
D’autres, comme moi, atteignent un point de crise. Je suis un peintre assez prolifique avec des boîtes de tableaux serrées à peu près partout où vous pourriez regarder, mais je dois décider quoi faire de mon art avant que l’équipe de tournage de « Hoarders » ne vienne frapper à la porte de mon studio.
Dois-je recycler tout mon travail ancien en peignant sur de vieilles toiles ? Détruire toutes mes vieilles toiles ? Les donner ? (Et hé, attendez un moment, comment puis-je vendre des peintures et les donner en même temps?) Ensuite, je me débat avec des questions existentielles encore plus grandes. Devrais-je même produire de nouvelles œuvres, compte tenu de l’état de notre planète? D’une certaine manière, il semble irresponsable d’ajouter plus de choses, aussi belles soient-elles, à un monde dans lequel des plaques d’ordures géantes dérivent sans but autour de nos océans. Je suis fier de beaucoup de choses en ce qui concerne mon empreinte carbone. Je ne mange pas de viande. Je n’ai pas de voiture. Mais me voici avec ma taille de chaussure en carbone qui s’agrandit chaque fois que je commande plus de fournitures d’art à Dick Blick.
Je ne mange pas de viande. Je n’ai pas de voiture. Mais me voici avec ma taille de chaussure en carbone qui s’agrandit chaque fois que je commande plus de fournitures d’art à Dick Blick.
John Vinton, artiste basé à Boston, s’est confronté à ce problème et a trouvé une solution. Tout d’abord, il faut le dire, Vinton est l’un des chanceux. Il peint environ 15 à 20 toiles par an et en vend, estime-t-il, environ 80%. Mais, comme tous les artistes le savent, il y a une grande mise en garde.
» C’est très incohérent « , admet-il. « Et cela crée un problème avec certaines pièces. Ma solution préférée est de faire de la place en retirant les toiles des civières et en les roulant. Mais sur certaines de mes pièces où la peinture est vraiment accumulée, je suis un peu inquiet de le faire, car la peinture pourrait se fissurer. »
Cela signifie que, comme nous autres, Vinton est coincé dans une accumulation artistique. Bien qu’il aime travailler grand sur des toiles imposantes qui pourraient s’étendre sur 5 ou 6 pieds (et il travaillerait encore plus grand s’il avait l’espace pour cela), il a permis à son expression artistique de céder à des aspects pratiques froids et difficiles.
« J’aime travailler à grande échelle, mais je me suis en quelque sorte davantage investi dans le travail à plus petite échelle parce qu’ils sont plus faciles à stocker », explique Vinton. « Vous pouvez en faire tout un tas de petits, et s’ils ne se vendent pas, ce n’est pas si grave. »
Ce mois-ci, il a emménagé dans un studio plus petit dans le même bâtiment, de sorte que le problème risque de devenir plus aigu.
L’artiste Fernando DeOliveira, qui travaille également à Boston, peint entre 35 et 50 toiles par an. Il dit que la plupart du temps, il sent qu’il n’a pas assez d’inventaire pour lui permettre de participer à tous les spectacles dans toutes les salles qu’il aimerait. Même ainsi, de temps en temps, lui aussi doit faire face à une surcharge d’inventaire. Quand cela arrive, il dit : « Je ralentis ma production. Je peins moins. »
Quand il manque d’espace, il enlève, comme Vinton, des toiles des barres de civière et les roule pour les ranger sous le lit de sa chambre d’amis dans son condo de South Boston.
Il se tourne également vers un marketing plus agressif. Il m’avertit que c’est certainement mon problème.
» Vous ne pouvez être un artiste commercial à succès que si vous pouvez gérer votre temps « , me reproche-t-il. » Vous devez avoir le temps de promouvoir votre travail, de parler aux clients, aux galeries, etc., et avoir le temps de peindre. Si vous peignez dans la galerie et que vous avez une pile d’œuvres que vous ne vendez pas, et que vous demandez pourquoi, c’est parce que vous n’avez pas passé assez de temps à promouvoir votre travail. »
Mon problème n’est certainement pas unique dans le monde de l’art, même si je suis peut-être le seul à en parler aussi ouvertement. La gestion des stocks est un problème qui a toujours frappé les artistes, dont la prolifique artiste Fay Chandler, décédée en 2015 à l’âge de 92 ans. Chandler a eu une longue et riche carrière en peignant des peintures fantaisistes et colorées avec une qualité d’illustration éthérée. Elle a été la créatrice du bouton officiel First Night en 2012. Je lui ai parlé quelques années avant sa mort de sa solution inventive au grand problème de l’artiste.
» Je ne vendais rien « , m’a-t-elle dit en 2011. » Les galeries disaient que j’étais trop vieux. Quand ils ont vu mon travail, ils ont dit que c’était un vieux chapeau. »
Chandler a pris une décision audacieuse. Elle donnerait tout. Elle est devenue la fondatrice de l’Art Connection, qui a, depuis 1995, placé plus de 7 660 œuvres d’art originales de 464 artistes dans plus de 400 organisations caritatives et à but non lucratif affamées d’art allant de Rosie’s Place au Refuge pour anciens combattants sans abri de la Nouvelle-Angleterre au Centre de santé Codman Square. La connexion artistique représentait la solution brillamment élégante de Chandler à un problème artistique commun tout en consolidant sa propre position dans la communauté artistique. Inutile de dire qu’après avoir parlé à Chandler, j’ai rejoint l’organisation moi-même.
Mais mon placement de peintures avec la connexion de l’art (j’ai placé environ une demi-douzaine de grandes peintures à travers l’organisation) ne peut toujours pas suivre le rythme de ma production. Cela signifie que, comme DeOliveira, j’ai fait un choix conscient au cours des deux dernières années de ralentir et de peindre plus consciemment. Certains ont suggéré que je passe au numérique, ce qui élimine mes préoccupations quant à l’utilisation des ressources de la terre, tout en libérant mon espace de rangement. Mais en tant qu’écrivain qui passe la moitié de ma vie les yeux fixés sur un écran d’ordinateur, je refuse.
« Cela ne fonctionne tout simplement pas pour moi », convient Vinton. » C’est l’immédiateté de la peinture que j’apprécie vraiment. La peinture est presque aussi importante que ce qu’elle rassemble pour créer. Sans cela, cela n’aurait tout simplement pas de sens. »
Mes sentiments exactement. Et cela signifie que, à moins que je ne m’améliore en marketing, je devrai simplement supporter le problème artistique commun de la surcharge des stocks.
Je garde à l’esprit ce que DeOliviera m’a dit.
» Mes toiles prennent peut-être de la place sous mon lit, mais un jour, quelqu’un va les trouver. Et chaque fois que quelqu’un les regarde, ils vont sourire. »
Fernando DeOliveira
» Mes toiles prennent peut-être de la place sous mon lit, mais un jour, quelqu’un va les trouver « , dit-il. « Et chaque fois que quelqu’un les regarde, ils vont sourire. Ils vont dire: « Oh, mon dieu, c’est si beau. » »
D’ici là, je vais me pencher sur le prix des pods de stockage.