Es gibt ein schmutziges kleines Geheimnis unter den Künstlern. Man kann es so zusammenfassen: Wir schaffen Kunst. Unsere Kunst verkauft sich nicht. Wir stopfen die Kunst in unsere Schränke.
Bald sind unsere Schränke gefüllt, also wenden wir uns den Lagerbehältern zu. Die füllen sich auch schnell, also greifen wir auf Ecken unserer Studios zurück. Wenn unsere Ateliers nicht groß genug sind, karren wir unsere Gemälde und unsere Kunstobjekte zu uns nach Hause, wo sie schnell jede Oberfläche einnehmen, sowohl horizontal als auch vertikal. Bald sind wir begraben.
Wir lernen erfinderische Wege, mit Kunstüberlastung umzugehen. Wir fangen an, kleiner zu arbeiten. Wir wechseln von Leinwand zu Papier. Wir bewegen uns von der Skulptur zur Malerei, von der Malerei zur Zeichnung, von der Zeichnung zur Fotografie.
Andere, wie ich, erreichen einen Krisenpunkt. Ich bin ein ziemlich produktiver Maler mit Kisten mit Gemälden, die fast überall festgeklemmt sind, aber ich muss entscheiden, was ich mit meiner Kunst machen soll, bevor das Kamerateam von „Hoarders“ an meine Ateliertür klopft.
Soll ich alle meine älteren Arbeiten recyceln, indem ich alte Leinwände übermale? Alle meine alten Leinwände ganz zerstören? Sie verschenken? (Und hey, moment mal, wie kann ich Bilder verkaufen und gleichzeitig verschenken?) Dann kämpfe ich mit noch größeren existenziellen Fragen. Sollte ich überhaupt neue Arbeit produzieren, angesichts des Zustands unseres Planeten? Irgendwie erscheint es unverantwortlich, einer Welt, in der riesige Müllberge ziellos um unsere Ozeane treiben, noch mehr Dinge hinzuzufügen, egal wie schön sie sind. Ich bin stolz auf viele Dinge, wenn es um meinen ökologischen Fußabdruck geht. Ich esse kein Fleisch. Ich besitze kein Auto. Aber hier bin ich mit meiner Carbon-Schuhgröße, die jedes Mal größer wird, wenn ich mehr Kunstbedarf von Dick Blick bestelle.
Ich esse kein Fleisch. Ich besitze kein Auto. Aber hier bin ich mit meiner Carbon-Schuhgröße, die jedes Mal größer wird, wenn ich mehr Kunstbedarf von Dick Blick bestelle.
Der in Boston lebende Künstler John Vinton hat sich diesem Problem gestellt und eine Lösung gefunden. Zunächst muss gesagt werden, dass Vinton einer der Glücklichen ist. Er malt etwa 15 bis 20 Leinwände pro Jahr und verkauft, schätzt er, etwa 80 Prozent davon. Aber wie alle Künstler wissen, gibt es eine große Einschränkung.
„Es ist sehr widersprüchlich“, gibt er zu. „Und es schafft ein Problem mit einigen Stücken. Meine bevorzugte Lösung ist es, Platz zu schaffen, indem ich Leinwände von Bahren nehme und sie rolle. Aber bei einigen meiner Stücke, bei denen die Farbe wirklich aufgebaut ist, mache ich mir ein wenig Sorgen, weil die Farbe reißen könnte.“
Das bedeutet, wie der Rest von uns bleibt Vinton beim künstlerischen Aufbau hängen. Obwohl er es liebt, groß auf imposanten Leinwänden zu arbeiten, die sich über 5 oder 6 Fuß erstrecken könnten (und er würde noch größer arbeiten, wenn er den Platz dafür hätte), hat er seinen künstlerischen Ausdruck kalten, harten praktischen Dingen überlassen.
„Ich mag es, groß zu arbeiten, aber ich habe mich mehr darauf konzentriert, in kleinerem Maßstab zu arbeiten, weil sie einfacher zu lagern sind“, sagt Vinton. „Sie können eine ganze Reihe von kleinen machen, und wenn sie nicht verkaufen, ist es keine so große Sache.“
In diesem Monat zog er in ein kleineres Studio im selben Gebäude, so dass das Problem wahrscheinlich akuter wird.
Der Künstler Fernando DeOliveira, der ebenfalls in Boston arbeitet, malt zwischen 35 und 50 Leinwände pro Jahr. Er sagt, dass er die meiste Zeit das Gefühl hat, dass er nicht genug Inventar hat, um an allen Shows an allen Orten teilnehmen zu können, die er möchte. Trotzdem muss auch er sich hin und wieder mit einer Überlastung des Inventars auseinandersetzen. Wenn das passiert, sagt er: „Ich verlangsame meine Produktion. Ich male weniger.“
Wenn ihm der Platz ausgeht, entfernt er wie Vinton Leinwände von Keilrahmen und rollt sie zur Aufbewahrung unter dem Bett seines Gästezimmers in seiner Wohnung in South Boston auf.
Er richtet seine Aufmerksamkeit auch auf aggressiveres Marketing. Er ermahnt mich, dass dies sicherlich mein Problem ist.
“ Sie können nur ein erfolgreicher Werbegrafiker sein, wenn Sie Ihre Zeit verwalten können „, tadelt er mich. „Sie müssen Zeit haben, um für Ihre Arbeit zu werben, mit Kunden, Galerien usw. zu sprechen. und Zeit zum Malen haben. Wenn Sie in der Galerie malen und einen Haufen Arbeit haben, die Sie nicht verkaufen, und Sie fragen, warum, dann liegt das daran, dass Sie nicht genug Zeit damit verbracht haben, für Ihre Arbeit zu werben.“
Mein Problem ist sicherlich nicht einzigartig in der Kunstwelt, obwohl ich vielleicht der einzige bin, der so offen darüber spricht. Die Verwaltung des Inventars ist ein Problem, das Künstler immer geplagt hat, einschließlich des produktiven Künstlers Fay Chandler, der 2015 im Alter von 92 Jahren starb. Chandler hatte eine lange und geschichtsträchtige Karriere, in der er skurrile, farbenfrohe Gemälde mit ätherischer, illustrativer Qualität malte. Sie war die Schöpferin des offiziellen First Night Buttons im Jahr 2012. Ich habe einige Jahre vor ihrem Tod mit ihr über ihre erfinderische Lösung des großen Problems des Künstlers gesprochen.
„Ich habe nichts verkauft“, sagte sie mir 2011. „Die Galerien sagten, ich sei zu alt. Als sie meine Arbeit sahen, sagten sie, es sei ein alter Hut.“
Chandler traf eine mutige Entscheidung. Sie würde alles weggeben. Sie wurde die Gründerin von The Art Connection, die seit 1995 mehr als 7.660 Originalkunstwerke von 464 Künstlern in mehr als 400 kunsthungrigen Wohltätigkeitsorganisationen und gemeinnützigen Organisationen platziert hat, die von Rosie’s Place über das New England Shelter for Homeless Veterans bis hin zum Codman Square Health Center reichen. Die Art Connection repräsentierte Chandlers brillant elegante Lösung für ein gemeinsames Kunstproblem und festigte gleichzeitig ihr eigenes Ansehen in der Kunstgemeinschaft. Unnötig zu erwähnen, dass ich nach einem Gespräch mit Chandler selbst der Organisation beigetreten bin.
Aber meine Platzierung von Gemälden bei der Art Connection (ich habe etwa ein halbes Dutzend große Gemälde durch die Organisation platziert) kann immer noch nicht mit meiner Produktion Schritt halten. Dies bedeutet, dass ich, wie DeOliveira, in den letzten Jahren eine bewusste Entscheidung getroffen habe, langsamer zu werden und achtsamer zu malen. Einige haben vorgeschlagen, dass ich digital gehe, was meine Bedenken hinsichtlich der Nutzung der Ressourcen der Erde beseitigt und gleichzeitig meinen Stauraum freigibt. Aber als Schriftsteller, der die Hälfte meines Lebens mit einem Computerbildschirm verbringt, lehne ich ab.
„Das funktioniert bei mir einfach nicht“, stimmt Vinton zu. „Es ist die Unmittelbarkeit der Farbe, die ich wirklich genieße. Die Farbe ist fast so wichtig wie das, was sie zusammenbringt. Ohne das würde es einfach keinen Sinn machen.“
Meine Gefühle genau. Und das bedeutet, dass ich, wenn ich nicht besser im Marketing werde, nur das übliche künstlerische Problem der Bestandsüberlastung in Kauf nehmen muss.
Ich erinnere mich, was DeOliviera mir gesagt hat.
“ Meine Leinwände nehmen vielleicht Platz unter meinem Bett ein, aber eines Tages wird sie jemand finden. Und jedes Mal, wenn jemand sie ansieht, werden sie lächeln.“
Fernando DeOliveira
„Meine Leinwände nehmen vielleicht Platz unter meinem Bett ein, aber eines Tages wird sie jemand finden“, sagt er. „Und jedes Mal, wenn jemand sie ansieht, werden sie lächeln. Sie werden sagen: ‚Oh mein Gott, das ist so schön.“
Bis dahin werde ich den Preis für Speicherkapseln untersuchen.