Le dimanche 27 septembre 2009, MTV diffusera la finale de la quatrième saison de America’s Best Dance Crew. Après près de trois mois de compétition épuisante à la télévision nationale, l’une des deux équipes de danse — Afroborique ou We Are Heroes — se retrouvera couronnée par le producteur de l’émission Randy Jackson comme « La meilleure équipe de danse d’Amérique. »Le spectacle n’existe que depuis un an et demi, mais cela est déjà devenu un spectacle familier pour les légions de fans qui se connectent chaque semaine pour regarder les jeunes danseurs incroyablement athlétiques tenter des mouvements et des acrobaties de plus en plus audacieux dans l’espoir d’éviter l’élimination, puis se tournent vers leurs téléphones ou ordinateurs pour voter pour l’équipe qu’ils veulent rester pendant au moins un épisode de plus. Le spectacle, qui a été repris pour une cinquième saison, est devenu un spectacle aussi courant et fiable sur les écrans de télévision que Law and Order ou American Idol. Mais malgré son succès écrasant, il fut un temps, très récemment, où un programme sur les équipes de danse hip-hop, comme ABDC, n’était en aucun cas un projet viable pour un géant du câble comme MTV.
Alors que le B-boying et la danse hip-hop sont une présence notable dans la culture pop depuis les années 1980, les danseurs réels ont eu du mal à traduire leur succès parmi leurs pairs dans le genre de carrières grand public que d’autres artistes hip-hop comme les rappeurs, et même les graffeurs, ont réalisé. Alors que les MC et les producteurs de hip-hop comme Jay-Z ou Kanye West ont pu mettre leurs compétences hip-hop au service de carrières musicales respectées, d’une forte influence sur la mode contemporaine et d’entreprises commerciales lucratives, les B-boys et B-girls hautement qualifiés et athlétiques n’ont depuis de nombreuses années rien d’autre à espérer que la chance de gagner un spectacle de talents locaux ou peut-être de jouer quelques instants dans un clip vidéo, relégués à un rôle de fond malgré leurs capacités impressionnantes.
Dans le même temps, l’ascension du hip-hop vers la notoriété grand public a coïncidé avec le renouveau de la pop au début des années 2000, conduisant finalement au flou actuel des rôles de genre qui laisse de nombreux artistes de renom actuels effectuer des amalgames variés de musique club, dance, R & B et hip-hop. Les mouvements de danse inspirés du hip-hop sont devenus une exigence pour les groupes de garçons adorés par les teeny-bopper, tandis que même les artistes pop dérivaient davantage vers des sons inspirés du rock, comme la star solo P!nk, a jugé nécessaire d’avoir une suite de pros de la danse étroitement chorégraphiés se déplaçant derrière eux lors de leurs performances sur scène. Comme le juge Shane Sparks de l’ABDC le dit: « il vaut toujours mieux voir cinq personnes faire un spectacle que d’en voir une, c’est pourquoi la plupart des artistes comme Usher, Mary J. Blige, Chris Brown: ils ont tous ces danseurs avec eux. Parce que ce nombre de cinq ou plus, l’impact est tellement plus fort que ce danseur solo. »
Et pourtant, l’équipe de danse multi-membres, caractéristique familière du paysage hip-hop aux débuts du mouvement, était introuvable. Selon Sparks, « Quelque part le long de la ligne, il s’est éteint — et il aimait davantage la chorégraphie, la danse en solo et la réalisation de vidéos. Mais plus personne ne faisait d’équipes. Les gens did faisaient encore des équipages, et ça ne s’est pas éteint partout, mais plus de gens étaient dans la danse en solo, prenaient des cours. »
Alors que des danseurs solos bien formés continuaient d’être un atout important pour l’industrie du divertissement, des personnes comme Britney Spears assemblant des groupes lors d’auditions pour soutenir ses pitreries sur scène, les grands noms de l’industrie de la danse hip-hop ont eu du mal à mettre leurs compétences sur le devant de la scène. Le chorégraphe pionnier Wade Robson, qui a réussi à devenir lui-même une célébrité grâce à son travail sur les spectacles de Spears (et aux rumeurs d’une relation entre les deux), a monté un spectacle en 2003 appelé The Wade Robson Project, un concours de danse mettant en vedette des danseurs solistes. Il y avait beaucoup de candidats talentueux sur le programme, mais malgré la reconnaissance du nom de Robson et une place de prune sur la programmation en prime time de MTV, le projet a rapidement fait long feu.
Les choses ont complètement changé, cependant, juste un an plus tard. You Got Served, un film à budget modeste mettant en vedette la star mineure R & B Marques Houston et le groupe de garçons hip-hop de son frère Omarion, B2K, ainsi que Robson lui-même, est sorti en 2004. L’intrigue se concentrait sur deux adolescents à faible revenu qui tentent de gagner en renommée et en richesse en emmenant leur équipe de danse multi-membres dans un endroit local où ils se battaient contre des équipes similaires pour de l’argent et du respect. Le film se termine par une bataille de danse gratuite entre l’équipe des héros et leurs rivaux du comté d’Orange, jugés par Robson et le rappeur Li’l Kim. Les cascades incroyables et la chorégraphie de cette scène finale ont captivé l’imagination de milliers de téléspectateurs, dont beaucoup n’avaient jamais vu de danse hip-hop en équipe auparavant de leur vie.
Sparks, qui a chorégraphié les scènes de danse du film, croit fermement que You Got Served a été un moment décisif pour le mouvement de l’équipe de danse. « Quand Vous avez été servi est sorti », se souvient-il, « cela a fait réaliser aux gens: « Oh mon Dieu! Comme c’est beau de regarder ces cinq ou dix gars, de faire cette chorégraphie et comment, vous savez à quel point cette image est belle. Tout le monde était comme ‘ Y sais ce que je veux être comme cet équipage; Je veux être comme cet équipage de B-boy. »Tout le monde voulait son propre équipage. Et cela a commencé tout un autre monde. »
Coïncidant avec le succès surprise de You Got Served, l’arrivée de spectacles de danse populaires à la télévision américaine. En 2005, ABC a créé la première incarnation de ce qui allait devenir leur hit Dancing with the Stars, une importation britannique qui jumelait diverses célébrités à des danseurs de salon professionnels. Alors que le spectacle a amené la danse en prime time, il repose davantage sur la nostalgie de la programmation de variétés classiques et le facteur de nouveauté consistant à regarder les joueurs de la NFL tenter le foxtrot que sur tous les éléments de la scène de danse contemporaine en plein essor pour ses cotes.
La même année, Fox, qui avait déjà un énorme succès avec le concours de chant American Idol, a lancé un spectacle de danse légèrement plus complet appelé So You Think You Can Dance?. Le concours, sur lequel Sparks travaille également en tant que chorégraphe, met en vedette des artistes en compétition dans diverses formes de danse, qui incluent des styles de rue et de hip-hop ainsi que des performances de jazz et de salle de bal plus traditionnelles. Bien qu’il soit devenu un spectacle à succès qui aide à mettre en valeur un peu de culture hip-hop, l’excitation réelle se passait toujours sous le radar.
Les compétitions de danse régionales devenaient de plus en plus importantes, les équipes voyageant à travers le pays uniquement pour participer aux plus grands spectacles. De nouveaux styles passionnants, comme le Krumping, émergeaient dans tout le pays. Des documentaires comme Rize — un long métrage réalisé par David LaChapelle sur le krumping — ont trouvé un public restreint et passionné, et la croissance de YouTube a donné aux danseurs un nouveau lieu où ils pouvaient présenter leurs capacités uniques à des millions de téléspectateurs à travers le monde. Sparks, qui était toujours un instructeur de danse actif et un juge lors de nombreuses grandes compétitions régionales, croyait que la danse en équipage était prête pour son moment au soleil.
Heureusement pour lui, les grands noms de l’industrie du divertissement ressentaient la même chose. Randy Jackson, le poids lourd du secteur de la musique et juge d’American Idol cherchait à transformer le Hip Hop International — un énorme festival de danse et une compétition que Sparks jugeait depuis un an – en une émission de télévision et a exploité Sparks comme juge possible pour l’entreprise.
« En fait, il s’est littéralement approché de moi et m’a dit qu’il avait ce projet en tête », se souvient Sparks. « En fait, j’avais entendu parler de la transformation de cette émission en une émission de télévision et nous ne savions vraiment pas ce qui allait se passer, mais une fois que Randy s’est impliqué, il est venu me voir et j’ai eu quelque chose dont je voulais vous parler. Et je suis entré et j’ai littéralement dû auditionner et faire ce que je fais, et une semaine plus tard, deux semaines plus tard, ils m’ont appelé et m’ont dit: « Vous êtes réservé pour le plus grand spectacle de danse jamais créé! » »
Malgré le succès de You Got Served et la popularité toujours croissante du genre, beaucoup étaient initialement sceptiques quant aux perspectives d’une émission basée sur une tendance encore marginale qui serait diffusée sur un réseau câblé de base, MTV.
« Oh mon dieu tu sais combien de personnes m’ont dit que je ne devrais pas le faire? »Sparks raconte. » Ils me disaient : » Tu vas partir Pour Que Tu Penses Pouvoir Danser ? »parce qu’à ce moment-là, je ne pouvais pas les faire tous les deux, et ils étaient comme si tu partais pour cette émission de danse qui est sur MTV, que personne ne connaît. Je suis passé du grand réseau à MTV, et j’étais comme si vous ne compreniez pas, je préférais faire quelque chose que j’aime et pour lequel j’ai le cœur. » »
Sparks, il s’avère, a pris la bonne décision. Il avait toujours trouvé le succès en prenant des risques (sa carrière de chorégraphe a commencé lorsqu’un travailleur du Complexe de danse l’a pris pour un professeur de danse et lui a demandé d’enseigner un cours. Bien qu’il n’ait aucune expérience, Sparks l’a essayé et son atelier est rapidement devenu le plus populaire de la région de Los Angeles), et ABDC a été un succès instantané, avec ses gagnants de la première saison, le Jabbawockeez portant un masque, devenant des icônes instantanées à la fois dans le monde de la danse et dans la culture pop en général. Les fans sont instantanément tombés amoureux du style rapide des spectacles, chaque équipe proposant une performance basée sur un défi particulier (créer l’illusion de l’apesanteur, incorporer un célèbre mouvement de danse de Michael Jackson) chaque semaine. La nature compétitive de l’émission oblige les groupes à proposer de nouvelles idées pour l’emporter sur leurs concurrents, ce qui conduit à des moments à couper le souffle comme lorsqu’un membre de l’équipe de Quest du groupe champion de la saison Trois a basculé horizontalement sur deux de ses collègues, ou lorsque l’équipe de So Real de la Saison Deux a utilisé une chorégraphie complexe avec les caméras de l’émission pour créer des séquences visuelles éblouissantes à l’écran.
Alors que les équipes sont maintenues dans l’émission par les votes des téléspectateurs à domicile, les deux groupes qui reçoivent le moins de votes chaque semaine sont obligés de se battre pour l’approbation de Sparks et de ses collègues juges: le rappeur Lil ‘Mama et JC Chasez, ancien élève de * NSYNC. C’est un format directement basé sur les compétitions de danse qui ont inspiré le spectacle, et les fans y ont répondu à un niveau qui a encore une fois revigoré la grande scène de la danse aux États-Unis et au-delà. Les fans du spectacle ont sans doute remarqué à la fois l’ambition accrue et le nombre d’équipes de danse locales, comme Sparks lui-même l’a fait lors de ses voyages à travers le pays.
« Vous n’avez tous aucune idée de l’influence de notre spectacle sur les gens », s’exclame-t-il. » Partout où je vais. Je rentre à Cincinnati, Ohio, ils ont des équipes de danse du Midwest. Je vais à Kansas City, ils ont des équipes de danse KC. Chaque ville essaie d’obtenir son propre ABDC. Et ce n’était pas comme ça il y a seulement 5 ans. »
Mais le spectacle a servi d’inspiration à plus que les équipes archétypales de B-boy comme Jabbawockeez et Super Cr3w (qui ont remporté les saisons précédentes). Les amateurs de pop des années 80 Fannypack ont fait une forte performance dans la saison Deux, tandis que la saison Trois a même vu un groupe de sabots du sud, Dynamic Edition, faire quelques tours dans la série avant d’être éliminés. La quatrième saison a vu peut-être le groupe d’équipages le plus varié, allant des amateurs de pays du Mouvement Sud aux sensations latines Afroborique, et, pour la première fois, ce sont les équipages dits « nouveautés » — Afroborique et We Are Heroes, influencés par la salle de bal – qui se sont qualifiés pour le tour final. L’un des aspects les plus contraires du hip-hop à ses observateurs est qu’il est à la fois un creuset inclusif de styles et d’idées différents, et pourtant – en même temps — est souvent régi par des règles très strictes sur ce qui constitue le « vrai » hip—hop, que ce soit dans la musique, l’art ou la danse.
Sparks semble définitivement soutenir l’ancienne vision du genre, et est enthousiasmé par la nouvelle direction que prend son spectacle cette saison. « Je pense que le public est prêt à voir différents gagnants », dit-il. « Je pense que je me fiche de la qualité d’une équipe de B-boy, après avoir vu quatre saisons, c’est comme si nous avions vu presque tout ce que vous alliez faire avec un peu de changement ici et là. Voyons quelque chose de différent, et Afroborique, quand ils sont venus dans l’émission, une chose qu’ils étaient était différente. Allaient-ils battre les équipes de hip-hop ? Nous ne le savions pas, mais ils ont pris leur style et leur individualité et ils l’ont renversé. Et vous savez, ils se sont levés et ils ont tenu compte de ce qui se passait. Ils ne sortaient pas simplement parce qu’ils n’avaient pas grandi dans le monde du hip-hop. C’était comme si nous pouvions en faire un peu, mais nous gardons toujours l’essence de ce que nous sommes. »Et c’est pourquoi les gens commencent à les respecter. »
Malgré le succès de son spectacle, cependant, Sparks pense que la danse en équipe, et les danseurs qui la soutiennent, ont un long chemin à parcourir pour marquer le monde. Une question que le spectacle commence à rencontrer — comme beaucoup de ses pairs de la compétition de la réalité pour un titre lié à une profession – est ce qui arrive aux gagnants après avoir été surnommés « La meilleure équipe de danse d’Amérique. »Bien que Jabbawockeez ait connu un certain succès auprès du grand public (par exemple, ils sont apparus dans une campagne publicitaire Gatorade aux côtés d’athlètes notables comme Muhammed Ali et Dwayne Wade), de nombreux équipages n’ont rien à faire après la fin de la saison, mais retournent à leur horaire habituel de compétitions de danse et voyagent peut-être avec la tournée nationale ABDC. En conséquence, le spectacle — et son titre — commencent à être considérés pour beaucoup comme un objectif ultime pour de nombreuses équipes du monde de la danse, plutôt que comme un pas vers un plus grand succès.
Bien que Sparks soit heureux d’aider à fournir un lieu aux danseurs talentueux pour montrer leurs mouvements, il pense que le spectacle devrait représenter quelque chose de plus.
« Je veux qu’ils veuillent participer à cette émission parce qu’ils veulent poursuivre leur carrière », explique-t-il. « Je ne veux pas que ce soit le dernier arrêt. Parce qu’après avoir quitté ce spectacle, il y a des années et des années et des années de danse qui vont rester coincées dans ton corps, sur lesquelles tu veux capitaliser. Ils ont entre 19 et 20 ans. Alors, que faites-vous après avoir quitté ce spectacle? Tu as 20 ans, ce n’est que trois mois, maintenant tu as fait ABDC — et maintenant? Je veux qu’ils regardent le spectacle comme un tremplin. Même lorsque vous gagnez, cela devrait être un tremplin pour accéder à tout ce qui se passe dans ce monde de la danse. Je veux dire que le monde de la danse est si grand en ce moment, mais il pourrait être tellement plus grand si les danseurs se réunissaient mentalement et s’occupaient de leurs affaires, au lieu de simplement danser et de penser « Je veux gagner une médaille, je veux gagner cent mille dollars », parce que cet argent a disparu la première année. »
Il y a deux objectifs principaux que Sparks a en tête en ce moment, à la fois pour lui et pour les danseurs qu’il encadre. Tout d’abord, il estime que, tout comme de nombreux rappeurs ont utilisé leur influence et leurs gains financiers initiaux pour devenir de puissants magnats des médias, les danseurs doivent assumer des rôles importants dans l’industrie du divertissement. Déplorant la chute des plans pour faire une suite à You Got Served, il dit: « Vous obtenez juste les mauvaises personnes derrière certaines situations et cela tue juste de grandes idées et de grands concepts. Et c’est pourquoi je travaille si dur pour devenir la personne responsable. La personne qui est au premier plan. Parce que je vais m’assurer que les meilleurs projets sortent, et que vous avez une personne honnête qui respecte et aime vraiment ce qu’il fait et qui est le leader au lieu d’un crétin ou d’un blagueur ou d’une personne vraiment stupide qui sort et qui prend simplement l’argent des gens pour obtenir tout ce talent et leur faire faire tout ce travail. »
Deuxièmement, il estime que les danseurs doivent se commercialiser de la même manière que les autres artistes et athlètes depuis des années. Parlant de l’équipage le plus aimé d’ABDC, il dit « Jabbawockeez: équipage vraiment intelligent. S’ils sont vraiment intelligents, ils vont sortir et prendre ça et se commercialiser si bien que dancing danser est si froid en ce moment, et si vous vous commercialisez correctement, vous pouvez être dans n’importe quel film, n’importe quelle émission de télévision, n’importe quelle publicité, vous pouvez être sponsorisé par n’importe quelle corde à linge picture imaginez les basketteurs, n’importe qui qui joue au baseball. Ils sont juste talentueux dans quelque chose qu’ils aiment faire. Ils sont juste talentueux. Mais ils gagnent tout cet argent en se basant sur les avenants et les gens qui veulent utiliser leur visage en se basant sur leur talent. Pourquoi ils ne peuvent pas faire ça pour les danseurs ? »
« C’est mon objectif « , poursuit-il. « Ils devraient obtenir ce gros contrat d’un million de dollars pour porter des trucs Nike, tout comme Tiger Woods sort et met une chemise Nike, pour se balancer sur un ballon, vous voyez ce que je veux dire! Ils sortent et tournent sur la tête, sautent de scène, crachent du feu, font ceci et cela, se cassent le dos. Ils devraient avoir le même respect. »
Pour l’instant cependant, Sparks et son spectacle restent l’aspect le plus visible de sa passion de toute sa vie. Si Sparks peut avoir autant de succès avec les opportunités qui se présentent à lui qu’il l’a été jusqu’à présent, son rêve d’un monde où les danseurs peuvent côtoyer des stars du basket et des divas pop remplies d’arène pourrait bien se réaliser. Jusque-là, ABDC continue de diffuser sur MTV deux fois par an, offrant un lieu à certains des jeunes les plus talentueux et motivés qui se produisent sur toutes les scènes d’aujourd’hui.